ALBERT MAYSLES

A continuación les dejo una entrevista con Albert Maysles en donde el mismo habla sobre su vida cinematográfica junto con su hermano David, y como desempeñaron sus tareas juntos en los documentales que realizaron.

SALESMAN

Los Hermanos David y Albert Maysles, los dos nacidos en Estados Unidos, se dedicaron a filmar documentales, con el objetivo de filmar distintos aspectos de la sociedad, tomando el cinema vérité como corriente, solo que esta vez la cámara, a pesar de captar la realidad, parece desapercibida, aunque no sea así.

En Salesman, los hermanos nos presentan un aspecto de la sociedad norteamericana en los años sesenta, acompañando al personaje principal, Paul Brennan, en su búsqueda por métodos de venta así como su lucha interna por superar todos los problemas que esto implica en su vida laboral y personal.

Podemos observar todo lo que implica la venta de Biblias de puerta en puerta, desde las reuniones de todo los trabajadores siento motivados por su director, la información sobre las familias a las que visitaran, así como su relación con la iglesia mas cercana. Todo parece una gran manipulación, organizada desde el principio, preparado y organizado de tal forma que el vendedor sea lo suficientemente convincente para lograr vender. Las familias católicas están dispuestas a destinar lo poco que tienen para cualquier cosa relacionada con su religión, para los vendedores de Biblias, es el mejor pretexto, y a pesar de esta ventaja, es aquí donde podemos ver, que en realidad no es tan fácil como parece.

Las visitas representan un momento particular para los espectadores, pues nosotros somos quienes junto con los vendedores conocemos todo el proceso que existe detrás. Y es en este momento cuando podemos percibir la combinación de su preparación junto con su personalidad.

Uno de los momentos mas impresionantes para mi dentro de este documental es cuando Brennan junto con otro de sus colaboradores se presentan a una casa, donde Brennan solo escucha mientras juega con el niño de la familia a la que visitan. Las cosas se desarrollan de tal forma que su colaborador termina revelando ciertas cosas sobre su compañero creando una situación incomoda, tanto para ellos, como para la familia que los observa extrañados.

Es impactante la forma en que al convivir con diferentes personas, tratan con diferentes habilidades para tratar de convencer, la mayoría de las familias que visitan pertenecen a una clase media baja, el precio que ofrecen por la colección que venden es superior a lo que sus ingresos les permiten pagar, pero parece no importarles, se olvidan que a pesar de vivir una situación personal similar, lo que ellos necesitan es vender, intentando cualquier método, incluso mintiendo.

La cámara esta presente en cada momento, seguimos a este grupo de vendedores motivados y preparados para hacer su trabajo, los acompañamos en momentos de ocio, cuando hablan con sus propias familias, cuando se divierten, cuando venden.


Dentro de la filmografía de los hermanos Maysles se encuentran también:

Su primer film titulado Psychiatry in Russia,en 1955, el cual pretende retratar el cuidado mental soviético.





Orson Welles in Spain, en 1966, donde Orson Welles presenta un proyecto sobre toros a grandes inversionistas.




What’s Happenning, The Beatles in the USA. Un seguimiento al grupo desde que llega al aeropuerto hasta su llegada a su hotel, cuatro o cinco días siguiendo a los integrantes del famoso grupo en 1964. Documental que sirvió de inspiración para otros grandes cineastas.

CRÓNICA DE UN VERANO

Con este documental nos podemos acercar a lo que puede ser un análisis de lo que Vertov propone como Kino Pravda ó Cinema Vèritè. Donde el uso de la cámara es esencial para provocar reacciones. En este caso Rouch junto con el sociólogo Edgar Morin, se preguntan si es posible dejar de actuar estando presente una cámara. Lo que representa esta discusión al ser filmada propone, al mismo tiempo, el cuestionamiento de ellos mismos, así como el de nosotros como espectadores. Durante el verano del año 1960, recorremos calles y personajes parisinos con el fin de interpretar diferentes conceptos sobre la vida. Tomando en principio ciertos personajes, a quienes seguiremos a lo largo de meses de filmación, y a quienes podremos ver en diferentes facetas. Uno de estos personajes, Marceline, quien nos muestra su sufrimiento cuando cruza la Paza de la Concordia, y donde claramente podemos ver una puesta en escena, nos relata su historia, la emotividad que refleja durante todo el documental nos permite conocerla, sabemos que es a nosotros a quien se dirige, mira a la cámara, nos mira, y aunque sepamos o no que es la verdad, es lo que pretende que creamos. Vamos descubriendo poco a poco, por medio de estos personajes distintos temas que salen a flote, como la disconformidad con el sistema en que viven los franceses de la clase obrera, visiones políticas, aburrimiento, soledad, desesperación.

Parece ser un cruel enfrentamiento entre estos dos autores con sus sujetos de investigación y su teoría por probar, ellos mismos provocan reacciones con sus preguntas, preguntas que llegan a un cierto grado de intimidad, y que lo que buscan es reacciones verdaderas, las cuales en varios momentos inducen a situaciones incómodas entre sus personajes. Como el momento en que se descubre que el número que Marceline lleva tatuado en al muñeca pertenece al momento en que fue prisionera de un campo de concentración.

Los diálogos de los personajes, así como los comentarios de los autores, pretenden mostrarnos la “realidad” bajo ciertas condiciones. Este acercamiento a los personajes es casi irreal, las reacciones de algunos de ellos podrían ser fruto de la presencia de la cámara, sus revelaciones y secretos, sus tristezas parecen salir de muy dentro de ellos para que el mundo los conozca, quieren ser reconocidos, cada uno de ellos es un actor, que interpreta a un personaje.




Muchos otros cineastas se guiaron con esta forma de hacer cine, recordando a Rouch en cada una de sus películas, estos son dos casos de cineastas que se inspiraron en Rouch y decidieron tomarlo como ejemplo, así como sus técnicas de filmación.

Como si…

Mosso Mosso, de Jean-André Fieschi, es un encuentro con Jean Rouch, en lo que para él era una forma de vida y al mismo tiempo de hacer cine, “Al hacer “como si, se está mucho mas cerca de la realidad”. Jean Rouch y sus amigos hacen como si estuvieran haciendo una película llamada “La vache Merveilleuse” (The fabulous cow).



Ayautla

Este documental de José Rovirosa, nos muestra la capacidad para el trabajo en una comunidad cafetalera, la influencia del dueño de la empresa local, y el alto índice de mortalidad infantil, en Oaxaca, México.
Las similitudes que encontramos con el antropólogo cineasta Jean Rouch, es la aplicación de la técnica de filmación y de edición. Es un documental que rinde homenaje a Rouch.

NOCHE Y NIEBLA

Este documental recurre al tema de la Segunda Guerra Mundial. Por medio de otros documentales y películas de ficción, así como libros, reportajes y ensayos, es un momento en la historia del mundo muy difundido, el genocidio durante este periodo horrorizó a la sociedad, quien aún vive los estragos de esta guerra.

En este caso Alan Resnais, junto con el poeta Jean Cayrol, se dedica a filmar los campos de concentración diez años después del fin de la guerra. Con una narración del poeta francés sobre las imágenes que nos muestran la vida en los campos, es un recorrido por los bloques, por los dormitorios, por las cámaras. Para Resnais estos lugares representan lo que fue la guerra, el genocidio; para Cayrol son memorias que comparte tratando de incluirnos y así expresar su dolor y el del resto de la gente que sufrió dentro de estos lugares.

A pesar del vacío que se nos presenta, podemos ver los restos de lo que sucedió en estos campos durante la guerra. Se habla, en este documental, de las atrocidades cometidas, del sufrimiento de la gente. Sutilmente nos muestra imágenes de forma poética, aunque algunas de estas dicen mucho mas, y muestran sentimientos mas allá de lo que sabemos y de lo que podemos ver.

El punto de vista de Resnais es muy personal, en especial por la ayuda en la realización del poeta Jean Cayrol, quien fue prisionero en uno de los campos. Durante este recorrido podemos observar distintos lugares, lo que nos da una perspectiva mucho mas amplia, los lugares donde se reunía a la gente y lo que sucedía en estos lugares.

En su mayoría es material de archivo que el ejército nazi acumuló sobre el exterminio organizado, y a pocos años del fin de la guerra, Resnais propone analizar los hechos de forma humana y delicada, sin exageraciones. No pretende saber el punto de vista de aquellos que vivieron esos momentos de terror, simplemente recorre locaciones y nos muestra fotografías, películas que nos remiten a estos lugares de encierro en los que tanta gente sufrió por años.

La única voz durante la película es la de la narración del poema del texto de Jean Cayrol ayudado por Chris Marker, con voice over durante todo el documental sobre las imágenes. Con la fuerza de la intención de Cayrol por recordar y revelar lo que el vivió durante estos momentos de guerra.

El orden de la edición pretende seguir por partes la estructura de organización de los campos de concentración y lo que esto implicaba no solo dentro de ellos, sino quienes se encargaban de que esto funcionara fuera de ellos. Primero nos presenta los distintos tipos de campos en el presente, lo que queda de ellos, de una forma mas bien fársica, nos enseña estos lugares, vacíos, sin vida. Regresamos al punto de partida, trenes llenos de gente, familias despidiéndose. Dentro de los campos el sufrimiento continua, los restos de los que ya no están, representados por objetos personales, la tristeza infinita, y el dolor de las condiciones inhumanas en que se vivía. La combinación del presente con el pasado nos hace cuestionarnos si esta situación de tristeza y de horror ya terminó, si en la actualidad esta realidad es lejana a nosotros. El tiempo utilizado durante todo el documental es presente, lo que pasó continua, existen guerras, existen recuerdos, no ha acabado, y debemos estar concientes de esto. Existe un eco en las imágenes a color que se diferencian del material de archivo, el pasado se encuentra en el presente.

En cuanto al sonido, la música realizada para el documental estuvo a cargo del compositor alemán Hanns Eisler, su música fue censurada en los años 30 por el partido nazi, y se refugio en Estados Unidos, hasta la Guerra Fría, cuando regresa a Alemania, y donde continua su composición durante muchos años mas, incluyendo la de Noche y Niebla, donde pretende seguir con el tono delicado y sutil, apoyando así, tanto las imágenes como la narración.

Las escenas filmadas en el 55, son a color e intencionalmente con la luz del día, donde todo parece diferente a las imágenes en blanco y negro del “pasado”, filmadas años antes por el gobierno.

A diferencia de otros documentales sobre la Segunda Guerra, Noche y Niebla pretende tener un tono mucho mas melancólico, la importancia de la memoria es esencial, el sentimiento de dolor que perdura hasta nuestros días. Shoa del realizador francés Claude Lanzmann, reúne mas de 9 horas de material, con viajes por distintos continentes, y entrevistas a víctimas y testigos. Noche y Niebla, a diferencia de documentales como Shoa, tiene una duración corta, sin entrevistas, es un punto de vista muy personal, y por el momento histórico en que se realizo no causó mayor impacto. A pesar de una muy fuerte carga sentimental, Noche y Niebla busca la reflexión interna de lo espectadores, y lo logra sorprendentemente, por lo menos en mi caso.





El director no tiene presencia directa en la película, no intenta llamar la atención, a pesar de tener una cercana relación con el tema escogido en su vida y con sus conocidos, no lo hace evidente en la película. Resanis, es reconocido por su larga y fructuosa carrera cinematográfica, entre sus mayores logros se encuentran obviamente Noche y Niebla, uno de los primeros documentales sobre el holocausto judío e Hiroshima Mon Amour, la cual, al igual que Noche y Niebla posee una gran carga sentimental, personal y sobre el sufrimiento mundial, la preocupación de Resanis por la sociedad se hace evidente en cada uno de sus trabajos, y en especial en Noche y Niebla donde esta influencia es bastante obvia.

Pareciera que la intención del documental es meramente poética, la cual pretende expresar sentimientos de dolor, representados por imágenes y narración que en conjunto con la atemporalidad de las imágenes formula una nueva intención, la de cuestionar y analizar los sucesos del pasado relacionados con el presente, con lo que queda, con lo que recordamos. El hecho de haber sido filmada en el lugar de los hechos poco después de que estos sucedieron, y a pesar de no tener el contacto ni la cercanía con estos hechos impacta mucho mas. El ser uno de los primeros en tocar este tema, presenta distintas características de impacto en la sociedad, actualmente, después de haber visto tantos documentales y cine de ficción, así como escritos sobre el holocausto, la percepción del documental sería diferente ahora a la de aquella en los años 50. Aunque propone una visión distinta, creo que lo que antes se veía como sorprendente, ahora no lo es, y es por eso que el contexto en el que se presenta este documental influye en la percepción de los espectadores.

Durante la clase tuvimos la oportunidad de analizar este documental a fondo, creo que lo que mas me llamó la atención fueron los momentos en que Resnais nos muestra los objetos personales de las víctimas de los campos de concentración. A pesar de mostrarnos con frialdad los cadáveres y la forma en que los trataban, es mucho mas impactante el hecho de observar peines, cepillos, anteojos, y pilas de cabello pertenecientes a las personas que dejaron de ser útiles de alguna forma. Esta colección de imágenes es realmente impactante, el sentimiento que nos deja al involucrarnos tanto con estos hechos es muy triste, y adquiere un valor diferente con las distintas formas de percibir la guerra, en mi caso, aunque lejana, significa el sufrimiento tan impresionante que causo durante tantos años, y me sorprende la capacidad del ser humano por hacer tanto daño sin ninguna intención de remediarlo.

VOLADORES

En la cultura Totonaca, se creía que durante la época de sequías una ceremonia debía llevarse a cabo en nombre del Dios de la fertilidad, llamado por ellos Xipe Totec. Al encontrar en el bosque el árbol mas alto, los habitantes de Totonocapan, lo tomaron y llevaron a su aldea, enterrándolo en la tierra y con cuerdas amarradas a él, volaban hacia abajo con el sonido de flautas y tambores. Cinco son los hombres que toman parte en esta ceremonia, cuatro voladores, quienes representan los puntos cardinales, y el quinto integrante, quien se dedica a tocar la música durante el rito.

Actualmente los voladores de Papantla, son reconocidos mundialmente, por ser una hazaña peligrosa, además de entretenida. Representan un orgullo para los habitantes del Totonocapan, región Totonaca. En Papantla, Veracruz, se encuentra una estatua de piedra de un Volador quien mira hacia abajo en la ciudad, desde uno de los puntos mas altos.

Además de encontrarlos en su lugar de origen, los voladores de Papantla, presentan, su ahora espectáculo, frente al Museo Nacional de Antropología, ubicado en el parque de Chapultepec. Lugar donde millones de turistas asisten para conocer algunos vestigios de las culturas prehispánicas. Durante los fines de semana, las familias aprovechan para ir a observar la ceremonia Totonaca, así como comer o comprar de los puestos alrededor, que aprovechan la multitud para vender. Y ocasionalmente visitar el museo.

El fin de semana pasado tuve la oportunidad de asistir al evento, el cual deja de ser un rito religioso para convertirse en espectáculo turístico, presentándose hasta cinco veces al dia. El espectáculo es gratuito, pero los participantes piden una colaboración voluntaria a los espectadores. Lo curioso es que ellos mismos venden artesanias a los turistas a precios bastante altos.

La mayoría de los visitantes eran locales, gente que pasea el fin de semana por el parque, y aprovecha de llevar a sus hijos a presenciar el espectáculo. Muchos niños eran parte del público como se puede ver en el video, alguno que otro extranjero, pero se encuentran pocos en esta época del año.

Al igual que podemos ver en Cannibal Tours, los turistas pretenden descubrir, encontrar y aprender de culturas distintas a lo que viven diario, asombrándose y entreteniéndose. Por otro lado los "nativos" pretenden, al parecer como único objetivo, venderse al público y ganar dinero. A pesar de no haber entrevistas, creo que funciona muy bien el video para ver el comportamiento de las dos partes del espectáculo, con sus reacciones, su relación y su actitud.




Creo que se pueden apreciar claramente los fines de negocio, usando como pretexto una tradición cultural, los puestos alrededor, la gente consumiendo los productos vendidos, así como los voladores pidiendo remuneración. Es una excusa para conocer el pasado, y a ellos, a quienes el pasado pertenece mas cercanamente, pareciera no importarles olvidarse del en un comienzo propósito religioso, para convertirse en comercio.

Es interesante y a la vez triste, el hecho de conservar estas tradiciones representa una valoración del pasado, pero no sé qué tanto decaiga al cambiar el propósito del rito. De ceremonia a los Dioses, a espectáculo para turistas.

LAS HURDES, TIERRA SIN PAN

Varios cineastas se han interesado por reflejar sociedades cercanas o no a ellos, pretendiendo un conocimiento general de la forma en que se vive y se trabaja. En este caso recurriré al cineasta Luís Buñuel, quien a pesar de ser conocido por su cine surrealista, esta vez recorre diferente poblaciones de España, conocidos como Las Hurdes, retratando a la sociedad en esta zona, tanto a sus habitantes como sus costumbres y la miserable forma en la que viven.

A diferencia de En Construcción, de José Luís Guerín, es muy evidente la recreación de escenas dirigidas por Buñuel, su intento por hacer más evidentes algunos momentos es muy obvio, esto podría afectar la forma en que se percibe un documental, por definición, un documental retrata la realidad, pero creo que a pesar de estas recreaciones, se logra el objetivo.

EN CONSTRUCCIÓN

Con ayuda de estudiantes de cine, José Luís Guerín retrata tres años de un barrio popular en Barcelona. La construcción de un edificio se lleva a cabo, en el tiempo que transcurre este suceso, nos acercamos a personajes que viven alrededor de esta obra y logramos identificar en particular a algunos de ellos.

Una pareja, joven, extraña, un hombre que depende de ella. Lo curioso es la forma en que la cámara se presenta frente a ellos, la confianza que logra Guerín conforme pasan los años nos permite observar, no solo a esta pareja si no a varios personajes mas, de una forma común, íntima, donde la cámara es invisible totalmente. Es posible que varios de estos personajes pretendan ocultar a la cámara ciertas reacciones, o sea, que estén tan acostumbrados a ella, que al estar concientes de su presencia, actúen. Estas deducciones salen por algunas escenas, como la declaración de uno de los trabajadores al despedirse de una joven que vive junto a la construcción, los diálogos parecieran estar ensayados, o simplemente repetidos, no lo sé, pero creo que en ese momento aparece un poco un tono de ficción. Lo cual no implica ninguna distracción dentro de la línea que sigue, existen otros personajes mas fuertes dentro de la película que llaman mucho mas la atención y tal vez de una forma cómica nos hacen interesarnos mucho mas. Otro de los vecinos, es un personaje muy interesante, su edad nos permite saber que ha tenido muchas experiencias, y por sus conversaciones, podemos darnos cuenta de que es indispensable contarlas. Un momento que considero especialmente importante es, cuando se encuentra este personaje platicando con otro quien le pone muchísima atención, y comienza a sacar de su bolsa objetos que para el tienen importancia por razones que el mismo explica.

Creo que la primera parte donde comienza la construcción, así como el fin de ésta, son dos momentos extraordinarios. Durante las excavaciones podemos ver por primera vez a los personajes que seguiremos viendo a lo largo del documental, con características que los definirán. El cierre de la película, nos muestra el edificio terminado, diferentes personas interesadas en estos departamentos que, a pesar de ser nuevos y modernos, no encajan con el paisaje, y esto se hace evidente con las reacciones de los compradores.

Es muy bonita la forma en que conocemos a estas personas, a los vecinos, a los constructores, su relación, los momentos privados que podemos observar, me encantó la película, la forma de acercarse a la gente fue muy humana, muy natural.



En 1986 Guerín realiza un pequeño corto llamado Souvenir, en 16 mm, el cual nos muestra una colección de imágenes en movimiento así como paisajes de playa, al principio con el sonido de la película corriendo, y después sobre la imagen una canción. Con íntertítulos que introducen la secuencia de imágenes.